Autor: Alberto

En esta lección vamos a trabajar la técnica de fingerpicking en guitarra. Esto significa que vamos a aprender a tocar empleando todos los dedos de nuestra mano derecha, a excepción del dedo meñique, para ejecutar melodías y acordes.

Normalmente esta técnica se utiliza como base de acompañamiento de acordes para hacerlos de forma «arpegiada», en lugar de a partir de rasgueo.

En este ejercicio vamos a centrarnos fundamentalmente en el uso de nuestra mano derecha y la colocación de los dedos sobre las cuerdas, procurando focalizar la dificultad de este ejercicio en el empleo de dicha mano.

Para esto utilizaremos como recurso didáctico la canción romance anónimo.

Puedes descargar de aquí el guitar pro de la canción: Romance Anonimo Niños

Aquí videotutorial sobre como tocarla:

[embedyt] https://www.youtube.com/watch?v=rDyANtEnzO4[/embedyt]

¿Qué es un arpreggio?

Un arpegio es una sucesión de notas tocadas individualmente, una por una. Un arpegio está formado por varias notas, aunque los más habituales están formados por 3 o 4 notas, denominados arpeggios triada y arepeggios cuatriadas.

Cómo usar los arpreggios:

Los arpeggios se utilizan generalmente sobre los acordes del mismo nombre, de forma que cambiamos de arpegio cada vez que cambiamos de acorde, y son una herramienta fundamental a añadir en los solos e improvisaciones.

Los arpeggios contienen las mismas notas que los acordes, por lo que todo lo que toques en la guitarra sonará perfectamente bien y en armonía. Otra forma de ver esto es pensar que los arpeggios contienen las notas seguras sobre las que puedes descansar cuando realizas un solo o improvisación, y de ahí la importancia de conocerlos y saber aplicarlos.

Como he comentado anteriormente, aunque para empezar a aprender los arpegios en la guitarra es conveniente que utilices el arpegio de cada acorde, puedes utilizar otros arpegios para traer distintos sonidos sobre los acordes, y no necesariamente utilizar las notas que contienen dichos acordes. Si por ejemplo utilizas El arpegio de Am7 sobre el acorde de C estarás trayendo una 6ª mayor.

Formación de arpreggios

Los arpegios más habituales son los de 3 y 4 notas. Este apartado veremos como se construyen los arpegios de 3 notas.

Los Arpegios Triada están formados por 3 notas. A continuación puedes ver que intervalos forman los arpegios triada mayores, menores, disminuidos y aumentados.

• Arpegio Mayor: R-3-5
• Arpegio Menor: R-b3-5
• Arpegio Disminuido: R-b3-b5
• Arpegio Aumentado: R-3-#5

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Observa que un arpegio mayor está formado por R-3-5, por lo tanto el arpegio mayor de C (Do) está formado por Do-Mi-Sol.

Para empezar es suficiente con aprender los acordes mayores y menores ya que son los más utilizados, una vez que aprendas estos puedes pasas a los disminuidos y aumentados.

Esto es un patrón de un arpegio triada mayor en la guitarra:

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[su_tab title=»Arpreggio menor» disabled=»no» anchor=»» url=»» target=»blank» class=»»]

El Arpegio Triada Menor está formado por los intervalos:

• R-b3-5

Como ejemplo, el arpegio de C está formado por las notas C-Eb-G (Do-Mi bemol-Sol)

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[su_tab title=»Arpregio disminuido» disabled=»no» anchor=»» url=»» target=»blank» class=»»]

l Arpegio Triada Disminuida está formado por los intervalos:

• R-b3-b5

Como ejemplo, el arpegio de C está formado por las notas C-Eb-Gb (Do-Mi bemos-Sol bemol)

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A continuación he reunido distintas estrategias que creo que son imprescindibles para mejorar tus improvisaciones y tus solos:

• Grabarse y escucharse: Hoy en día es extremadamente fácil grabarse, bien sea de manera más profesional o utilizando recursos tan simples como un móvil. Este método debe formar parte de tu rutina diaria de estudio y es una de las formas más fáciles de mejorar. De esta manera serás consciente si estás tocando demasiado, si es aburrido, si no tiene sentido, etc. Y es que cuando estamos tocando, no somos tan conscientes de lo que estamos haciendo (aunque no debería ser así).
  
  

• Canta. Aunque no tengas buena voz, es importante que cantes todo lo que tocas. Además de desarrollar tu oído, evitarás tocar en exceso (defecto típico de guitarristas y que no suelen tener tanto los instrumentos de viento) y te darás cuenta dónde tienen que «respirar» tus frases.

• Repite una secuencia. Otro tipo de repetición es tocar una secuencia, es decir, un pequeño motivo melódico, pero comenzando en otra nota.

• Estructura tus frases. A continuación te muestro algunas de las estructuras musicales más habituales.

  • A-B o «pregunta-respuesta»: La primera frase, o pregunta, tiene sentido de interrogación y tiende a ascender,mientras que la respuesta da sensación de final y tiende a descender.
    
    
  • A-B-A-C: Consiste en una pregunta (A) seguida de una respuesta (B), y a continuación repetir la pregunta (A), pero con otra respuesta (C), normalmente más conclusiva. Un ejemplo clásico de esta estructura es el riff de Smoke on the Water.
    
    

  • AB-CB-DB: En este caso tenemos distintas preguntas (A, C y D), pero con la misma respuesta (B).

  • AAB: Se trata de la estructura clásica del blues de 12 compases.

• Toca la melodía. A veces nos ofuscamos queriendo hacer virguerías y cosas raras, cuando en un solo lo más natural y eficaz es tocar la melodía con las variaciones oportunas…

• Varía la dinámica o la intensidad. Es uno de los matices expresivos más importantes y si aprendes a utilizar la gran paleta dinámica de tu instrumento, harás más entretenido e interesante tu solo.

• Utiliza sólo una cuerda. Tocar es una sola cuerda es un buen ejercicio para mejorar tus frases y es que, al estar más limitado, desarrollarás más creatividad y tocarás lo que realmente te pide tu oído, y no lo que tu memoria muscular ha aprendido (escalas, arpegios, licks…). Además, aprenderás también a encontrar las ventajas y aspectos positivos (y negativos) de cada una de las cuerdas de la guitarra.

• Anticipa las notas del acorde siguiente. De esta manera, darás mayor direccionalidad a tus frases y crearás una tensión que, inmediatamente después, será resuelta.

• Usa fragmentos de canciones conocidas en tus improvisaciones. Se trata de un recurso muy interesante para atraer la atención del público en tus improvisaciones.

• La importancia del ritmo. Más importante que las notas que tocas es el ritmo o la rítmica que utilizas. Intenta también alternar pasajes de notas rápidas con otras largas y evitar así la monotonía.

• «Menos es más»:: Escoge cuidadosamente las notas que utilizas. Recuerda que más que la cantidad de notas es la calidad de las mismas y la velocidad es un medio, no un fin.

• Trabaja y varía el ritmo: Usa síncopas, tresillos o repetir patrones.

• Reserva el registro agudo de la guitarra para el momento más álgido e intenso del solo.

• Cuenta una historia: Un solo no es más que una historia dentro de un tema y, por tanto, tiene que tener un principio, un desarrollo y un final definido.

• Prueba efectos y sonidos nuevos (delay, reverb, chorus…) para ganar expresividad y color.

• Escucha mucha música, ten paciencia y mucha perseverancia.

En muchas ocasiones nos encontramos con un problema a la hora de llevar a cabo nuestros solos e improvisaciones.

Conocemos perfectamente la teoría: tonalidad de la canción, progresión de acordes, patrones de escalas, etc. Sin embargo, nos resulta realmente complicado llevar a cabo un solo que nos guste.

Todo nos suena muy parecido, no somos capaces de salir de ese patrón de la escala pentatónica menor que hemos aprendido y repetido infinitamente, siempre hacia arriba y hacia abajo y sentimos que nuestra capacidad creativa y de improvisación es muy limitada.

¿Cómo solucionamos esto?

El proceso de composición no es fruto de un cálculo matemático, no existe una fórmula ni proceso único, de la misma forma que el trabajo no garantiza el éxito. Componer o improvisar siempre requiere un cierto componente de inspiración.

Lo que es evidente que es, cuantos más sean los recursos que conozcamos y mayor dominio del instrumento más posibilidades de «éxito» tendremos. A continuación voy a plantear una guía, ya digo que no debe tomarse como si de una receta se tratase es simplemente una orientación, para intentar mejorar nuestra capacidad de improvisación a partir de una base sobre una canción escrita en tonalidad escala mayor/menor.

Pasos para llevar a cabo un «buen solo»:

1. Reconoce en que tonalidad se encuentra tu canción.

2. ¿Qué escalas tocar?
2.1 Escala mayor/ menor.
2.2 Patrones de escala mayor
2.3 Escala pentatónica: las cinco posiciones
2.4 Uso de modo mayor y menor pentátonica «alternativo»
2.5. Escalas y modos alternativos: escalas exóticas.
3. Acordes.
3.1 Acordes en triada
3.2 Acordes invertidos

4. Arpreggios.

5.Doblar las melodías por intervalos.

6. ¿Cómo tocar?
3.1 Consejos para la creación de solos.
3.2 La expresividad en tus composiciones: bends, vibrato, slide, palm mute, ligados…

Recursos:
Video en directo clase.
Ejemplo solo (Sol Mayor) en canción sweet child o mine (Guns and roses).

 

Posiblemente muchos de vosotros hayáis visto este dibujo en alguna ocasión. Se trata del famoso circulo de quintas. Un sistema muy sencillo mediante el cual podemos reconocer el número de alteraciones que posee una composición, las notas de una escala e incluso poder llevar a cabo progresiones de acordes y composiciones de una forma sencilla.

 

Sistema de representación:

Dibuja un círculo. Divídelo en 12 partes (como si se tratara de un reloj). En la parte superior pon la nota Do. Moviéndonos hacia la derecha, la siguiente nota que vamos a poner es la quinta de Do, o sea, Sol. La siguiente, la quina de Sol, o sea, Re; si seguimos así, aumentando en un intervalo de quinta la nota anterior, nos saldrán estas notas:

Do-Sol-Re-La-Mi-Si-Fa#

Si analizamos cada una de las escalas encontraríamos la siguiente singularidad:

• La escala de Do no tiene sostenidos (0 sostenidos)
• La escala de Sol tiene Fa# (1 sostenido).  
• La escala de Re tiene Fa# y  Do# (2 sostenidos)
• La escala de La tiene Fa#, Do# y Sol# (3 sostenidos)
• La escala de Mi tiene Fa#, Do#, Sol# y Re# (4 Sostenidos)
• La escala de Si tiene Fa#, Do#, Sol#, Re# y La# (5 Sostenidos)
• La escala de Fa# tiene Fa#, Do#, Sol#, Re#, La# y Fa (ya que Mi# no existe, solo de forma teórica) (en teoría 6 sostenidos).

Si analizamos, por tanto, la construcción de la escala comprobaremos que siempre se cumple la siguiente premisa. SOL tiene una alteración que es justo la que se encuentra a 1 SEMITONO menos que la nota que le da el nombre a su escala.

Re guarda 2 Alteraciones: La que se 1 encuentra a un semitono por detrás de de RE (DO#) y la que guardaba de la escala anterior (escala de SOL: FA#)

Y así sucesivamente…

¿Y cual sería el método para las escalas si contamos las notas bemoles? (hacia la izquierda)

La regla a aplicar ahora será muy similar al caso anterior: la escala de la nota donde nos paremos tendrá los mismos bemoles que la escala de la nota anterior más el bemol que  le sigue en el círculo.

Tendremos este resultado:

• La escala de Do no tiene bemoles (0 bemoles)
• La escala de Fa tiene Sib (1 bemol)
• La escala de Sib tiene Sib y Mib (2 bemoles)
• La escala de Mib tiene Sib, Mib y Lab (3 bemoles)
• La escala de Lab tiene Sib, Mib, Lab y Reb (4 bemoles)
• La escala de Reb tiene Sib, Mib, Lab, Reb, y Solb (5 bemoles)
• La escala de Solb (enarmónico de Fa#) tendría Sib, Mib, Lab, Reb, Solb y Si (ponemos Si, ya que el siguiente bemol que le correspondería sería Dob que como sabemos sólo existe desde el punto de vista teórico) (6 bemoles teóricamente)

Cuando un músico se enfrenta a una partitura necesita que esta le muestre la mayor cantidad de información y de la forma mejor estructurada posible.

De la misma forma que cuando leemos un texto los signos de puntuación y la correcta gramática nos permite comprender con mayor claridad el mensaje ocurre con la lectura de una partitura musical.

Necesitamos, por tanto de servirnos de una serie de elementos que nos indiquen información sobre las notas, sino también ritmo, intensidad, repeticiones, técnica, tonalidad, etc.

Uno de los elementos que más nos van a ayudar a identificar la tonalidad en la que estamos ejecutando nuestra composición es la armadura.

La armadura nos indica el conjunto de alteraciones (sostenidos o bemoles) que de nuestra composición. Se representa a principio de la partitura y su misión es indicar que notas deben ser interpretadas de manera sistemática un semitono por encima (sostenido) o por debajo (bemol) de sus notas naturales.

Normalmente pues dentro de una partitura no escribiremos para cada una de las notas alteradas el sostenido o bemol correspondiente, salvo que se trate de una alteración puntual (notas accidentales), sino que lo dejaremos indicado a principio de la partitura.

De esta manera si una canción está escrita en la escala de SOL mayor, la cual tiene una alteración (Fa#) lo que haremos será indicar en la quinta línea del pentagrama junto con la clave una nota #. Esto nos indicará que todas las notas FA escritas en la partitura poseen está alteración y por tanto, en realidad, se tratan de notas FA#.

Aquí un cuadro resumen de todas las armaduras y todas sus alteraciones:

En el caso formar la armadura a partir de notas bemoles, entonces quedaría de la siguiente forma:

Pero ¿cuando usamos sostenidos o bemoles?

Para saber cuando usar sostenidos o bemoles la regla es muy simple: cuando formamos una escala, nunca podemos usar dos notas «con el mismo nombre», es decir semitonos cromáticos, por ejemplo (La y La#)