Uno de los principales retos a los que se enfrentan los guitarristas noveles es precisamente al de la capacidad de poder disociar mano izquierda y mano derecha. Esto significa, hablando en un lenguaje coloquial, mover las dos manos de forma independiente.
Resulta muy común en este sentido para quienes empiezan parar de mover la mano derecha cuando se presenta un cambio de acorde y, precisamente acorde a esta regla, lo que planteamos es precisamente evitar ese defecto a partir de los siguiente ejercicios que planteo a continuación:
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Adjunto un pequeño ejercicio que espero sirva como prueba de conocimiento para, efectivamente, comprobar que hemos adquirido correctamente todos los conocimientos estudiados en las primeras sesiones.
Para conocer los resultados puedes descargar los archivos pinchando aquí (archivo protegido por contraseña):
Aquí las respuestas de los diferentes ejercicios:
Sobre esta prueba
Esta es una prueba de conocimientos que recoge lo visto en los tres primeros temas de lenguaje musical: lectura del pentagrama, equivalencias y traducción de notas al mástil. Úsala para comprobar qué tienes ya bien afianzado y qué conviene repasar antes de seguir avanzando.
Si al hacerla notas que hay algún concepto que se te resiste, no pasa nada: vuelve a la unidad correspondiente y repásala con calma antes de continuar. El lenguaje musical, como cualquier idioma, se afianza con repetición, no de golpe.
Si tienes dudas con alguna pregunta, tráemela a las clases de guitarra y la repasamos juntos.
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En muchas ocasiones hemos sentido una gran frustración ya que no hemos sido capaces de tocar y cantar al mismo tiempo. Sentimos que es algo muy complicado, que nunca alcanzaremos a hacerlo.
Por suerte, igual que la primera vez que pusiste el primer acorde y pensabas que era algo muy difícil, esa sensación también pasará… ¡serás capaz de hacerlo!. Para, como en casi todo, lo más importante es paciencia y practicar mucho.
No es necesario tener un gran nivel ni dominio con el instrumento para aprender a tocar y cantar a la vez, es más puedes tocar muy bien que si nunca lo has practicado previamente no serás capaz de hacerlo. Se trata de una técnica nueva, de disociar un nuevo elemento de tu cuerpo y que, por tanto, debes practicar de la misma forma que lo has hecho con otros ejercicios.
En este sentido lo que te propongo a partir de este video son precisamente ejercicios para aprender a disociar las dos manos y hacerlo mientras cantas.
Al principio no será necesario cantar, tan solo valdrá con ser capaz de decir palabras, números… poco a poco iremos complicando los ritmos y ejercicios. ¡Preparate se vienen momentos divertidos… y complicados! Como siempre lo haremos por niveles.
Tienes un guitar pro donde te ofrezco los diferentes patrones rítmicos que en los videos hemos ido trabajando.
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En esta ocasión os presento un tutorial de la canción de la extinta banda Pereza con su canción ‘Pienso en aquella tarde’. Una canción que resultó ser uno de sus mayores éxitos al punto que fue incluso versionada posteriormente por la propia banda dándole un aire más tranquilo en acústico.
Nosotros vamos a trabajar precisamente esta versión al tratarse de una versión más lenta y cuya estructura de acordes y acompañamiento resultan ideales para aquellos alumnos que lleven algunos meses con el instrumento y estén comenzando a disociar ambas manos.
La canción también cuenta con un pequeño punteo interpretado sobre la escala de Mi pentátonica menor.
Leyenda: G (sol) - C (Do)- Cadd9 (Doadd9) - Em(Mim) - D(Re)- Bm (Sim)
[Intro] (A la vez que otra guitarra raspea los acordes G - C - Em - D)
E||-------0-----------------------||B||---0-3---3------0--------------||G||------------0-2---2-0-----0----||D||----------------------0-2------||A||-------------------------------||E||-------------------------------||
Repetir 4 veces
[ESTROFA 1]
GCadd9Em7
Yo que soy un animal, que no entiendo de nada
DCG
que todo me sa - le mal.
GCadd9Em7
Te tuve cien días dentro de mi cama
DCG
y no te supe apro - ve - char.
GCadd9Em7
Ando perdido pensando que estás sola
DG
y pude haber sido tu abrigo.
GCadd9Em7
Cuelgo de un hilo, rebaño las sobras
DD
que aún quedan de tu cariño.
BmEm
Yo, que me quiero aliviar
CGDEm
escribiéndote un tema, diciéndote la ver - dad.
EmBmC
Cumplo condena por ese mal día
DD
haberte dejao marchar...
[ESTRIBILLO]
GCEmD
Pienso en aquella tarde cuando me arrepentí de todo.
GCEmD
Daría, todo lo daría por estar contigo y no sentirme sólo...
[INTRO]
[ESTROFA 2]
GCadd9
A tí, que te supo tan mal
Em7DCG
que yo me encariñara con esa faci - li - dad,
GCadd9
y me emborrachara los días
Em7DCG
que tú no tenías que tra - ba - jar...
GCadd9
Era un domingo,
Em7DG
llegaba después de tres días comiéndome el mundo.
GCadd9Em7
Todo se acaba, dijiste mirándome,
DC
que ya no estábamos juntos...
D
no estábamos juntos...
[ESTRIBILLO]
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Como comentaba en la anterior lección uno de los elementos más importantes a la hora de componer resulta el tener claro «a que quiero sonar». Tener un espejo sobre el que mirarse y analizar la estructura y sonido de una canción, sin duda, es uno de nuestros mejores aliados a la hora de crear.
En este sentido sería bueno pues plantearnos:
1. ¿Cómo quiero que suene mi canción? Dentro de que estilo musical lo enmarcaría.
2. Que canción o canciones pueden servirme como referente.
En este apartado pues te invito a pensar, a que te gustaría que sonase tu canción, elige un genero musical. Investiga un poco sobre los grupos que más te han influenciado dentro del mismo y elige una serie de canciones que te sirvan como referentes.
Así pues dime a ¿A que quieres sonar?. Aprende más sobre cada uno de los estilos:
1.Estructura: 3 a 5 minutos. Duración media 32 compases. 2. Armonía: ritmo constante y simple, ritmos y melodías sencillos con acompañamiento armónico limitado (acordes mayores y menores). Estructura estrofa-estribillo. Donde el estribillo contrasta y destaca sobre la estrofa dotando a la composición de mayor «épica». 3. Armonía empleada: tonalidad mayor. Uso frecuente de ciclos de subdominante-dominante y tónica. Formación de acordes en guitarra en posición abierta
a la hora de tocar Pop nuestra función es acompañar aplicando la filosofía de «menos es más» y aunque parezca que estamos limitados a tocar solamente un patrón hay mucho más en este estilo, las dinámicas, jugar con la intensidad/volumen de los golpes, para resaltar matices, o reforzar la base rítmica de la canción, marcar la diferencia entre las diferentes partes de la canción, para hacer sonar todo en un perfecto equilibrio donde la voz es el elemento principal.
Recordemos que es música «popular-comercial» y que uno de los elementos a tener en cuenta es la repetición, factor clave en la memoria del personal. Ej : Will we rock you creo k es un ejemplo en batería de algo simple, contundente y repetitivo que hace que todo el mundo de primeras lo memorice. Evidentemente en este estilo no somos protagonistas, la melodía es lo fundamental.
El genero rock actualmente es uno de los géneros más amplios y abarca gran cantidad de subgéneros. Etiquetas que con matices categorizan un mismo género musical y que se caracteriza por.
1.Estructura: 3 a 5 minutos. Las estructuras de las canciones de rock suelen ser algo más complejas que en el pop combinando diferentes elementos como ahora : Introducción-Estrofa-Pre-estribillo-Estribillo-Puente-Cierre.
2.Armonía: ritmo constante y simple, ritmos y melodías sencillos con acompañamiento armónico limitado. Empleo de acordes de potencia (acordes de 5º) que doten de mayor «vigorosidad» a la canción. Empleo fundamentalmente de armonías en escala mayor y escalas pentatónicas.
A nivel rítmico:
En el ROCK, los patrones rítmicos son muy parecidos al pop, creo que la diferencia viene más en la actitud/intensidad del batería. Seguramente unos breaks de timbal mas elaborados, un sonido más pesado y sucio. Suele ser un compas cuaternario Las cajas van en el 2 y 4 tiempo El hit hat se suele llevar a corcheas.
Uno de los subgéneros formados a partir del surgimiento del rock. Podría decirse que se trata de una evolución del propio género musical y que ha traído conseguido la vertebración de subgeneros dentro del mismo.
1. Estructura: canción: 3 a 5 minutos. Similar al rock : Introducción-Estrofa-Pre-estribillo-Estribillo-Puente-Cierre. Se diferencian en el empleo de ritmos más acelerados con instrumentos grabados con mayor nivel de «compresión» y guitarras más «saturadas» (distorsión).
2. Armónica: ritmo constante y simple, ritmos y melodías sencillos con acompañamiento armónico limitado. Empleo de acordes de potencia (acordes de 5º) que doten de mayor «vigorosidad» a la canción. Tiene como principales elementos diferenciadores con respecto al rock un sonido más oscuros, a partir del empleo de escalas y modos que dotan de este atmósfera (modos: dórica , frigia y menor
A nivel rítmico:
Aquí podríamos hablar de unos pilares básicos, que son potencia, velocidad y precisión.
El ritmo básico es muy parecido al del rock, pero se incluye el doble bombo, que normalmente va a fusas, lo cual lo cambia todo, provoca un efecto locomotora de tren, que parece que esté a punto de aplastarte.
El blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo.
Estructura: es un género musical vocal e instrumental de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases.
Armonía: La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas «expresivas» de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. Normalmente el blues se emplea el uso de extensiones de acordes de 7º con el empleo de progresiones de acordes de tónica-subdominante-dominante.
Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de terceras menores, quintas disminuidas y séptimas menores (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente. Empleo de escalas pentatónicas, predominando el modo menor
A nivel rítmico:
El blues se caracteriza no tanto por la dificultad técnica sino más bien por el groove en su ejecuación. Es fundamental la química entre bajista y baterista. Dado que en este género se necesitan contar historias, hay gran parte de la canción que se repiten compases para que el cantante tenga tiempo de expresar lo que quiere decir, eso obliga al baterista a centrarse en hacer las cosas con gusto y de una manera elegante, reservando los breaks de timbal para contadas ocasiones. Se suele utilizar el hit hat a tresillos o en modo shuffle, pero no es una ley de obligado cumplimiento
El jazz es un género musical nacido entre los músicos afroamericanos descendientes de antiguos esclavos, que sumaron a su propia tradición, caracterizada por un fuerte protagonismo del ritmo y la improvisación del ritmo y la improvisación, algunos elementos de la música europea.
Estructura: La improvisación: es uno de los elementos esenciales del jazz. Improvisar es componer la música al tiempo que se interpreta, pero no parten de cero, se improvisa sobre melodías, armonías y ritmos que se conocen de antemano.
El jazz se caracteriza por su riqueza y complejidad rítmica, basada en el uso de los contratiempos y sobre todo en el uso de la síncopa que es la acentuación de los tiempos débiles del compás.
En el caso del Jazz se tiende a acentuar el 2º y el 4º.
Armonía: En el Jazz es muy habitual utilizar acordes de cuatro notas (cuatriadas). Las melodías se construyen a partir de las notas de estos acordes intercalando otras diferentes y la suma de todas da lugar a las escalas.
Así cuando está sonando un acompañamiento de notas en el acordes la melodía puede optar por escoger una nota que está en el acorde dando una sensación de estabilidad (consonancia) favorecida por la coincidencia con respecto al acordes, o dar una nota diferente provocando una aparente inestabilidad (tensión). La forma en la que el Jazz utiliza estas tensiones en la melodía le da también parte de su carácter.
En Jazz por tanto para improvisar las escalas disponibles para improvisar sobre un acorde dado son todas las que contengan las notas del acorde», dentro de las cuales el interprete elegirá la que más se acerque al estilo y su gusto personal de manera que se puede hacer uso de los diferentes modos ( de cada uno de los acordes interpretados (teoría de escala-acordes). También es común de la conocida como escala menor melódica.
A nivel rítmico:
La batería en el jazz es fácil de identificar y difícil de tocar, como cualquier instrumento de jazz necesitas de muchos conocimientos para poder desarrollar esa libertad que te da este estilo.
Los dos patrones más utilizados en el jazz, son el swing y el shuffle, que en el caso del swing está basado en la mano derecha (fundamental en el jazz) que por lo general se apoya en el plato ride en lugar de en el hit hat. Esta mano va haciendo tresillos llevando a cabo un silencio en el segundo golpe y produce ese ritmo tan característico y reconocible. El shuffle desplazar un poco la última nota del compas llevándolo a un ligero contratiempo y que le da ese sonido tan característico En este género se busca fluir y la batería pasa de ser solo un instrumento de acompañamiento a tener su propio espacio.
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