Categoría: Actualidad rock

  • Leonard Cohen: 10 años sin el poeta de la guitarra española

    El 7 de noviembre de 2016 murió en Los Ángeles Leonard Cohen, a los 82 años. El 7 de noviembre de 2026 se cumplen, por tanto, 10 años sin el cantautor canadiense, autor de Hallelujah, Suzanne o So Long, Marianne, y uno de los músicos con una relación más profunda con España y con la guitarra española.

    Su muerte se hizo pública unos días después, el 10 de noviembre, apenas tres semanas después de publicar su último disco, You Want It Darker. Se fue en plena forma creativa, algo que pocos artistas consiguen.

    De poeta en Montreal a cantautor de culto

    Cohen nació en Montreal el 21 de septiembre de 1934 y durante años fue, ante todo, poeta y novelista. Empezó a grabar tarde para los estándares del rock: su primer disco, Songs of Leonard Cohen, llegó a finales de 1967, cuando ya había cumplido los 33. Desde ahí construyó una carrera de casi cinco décadas con una voz cada vez más grave, letras muy trabajadas y unos arreglos en los que la guitarra siempre era el punto de partida.

    Aunque no fue un «rockero» al uso, su influencia en el rock es enorme. Basta pensar en cuántas bandas y guitarristas han versionado Hallelujah: la versión de Jeff Buckley en su disco Grace (1994) convirtió una canción de Cohen de 1984 (del álbum Various Positions) en uno de los temas más tocados del mundo en guitarra acústica.

    La conexión española: Lorca, un guitarrista anónimo y una Conde

    Si hay un artista anglosajón que debe parte de su sonido a España, es Cohen. Él mismo contó, al recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en Oviedo en 2011, dos historias que explican mucho de su música:

    • Federico García Lorca fue el poeta que le ayudó a encontrar su propia voz cuando era joven. Tanto le marcó que llamó Lorca a su hija y adaptó un poema suyo en Take This Waltz (1986).
    • Un guitarrista flamenco español al que conoció en un parque de Montreal le dio unas pocas clases y le enseñó seis acordes. Cohen aseguraba que todas sus canciones estaban construidas sobre esos acordes y ese patrón. El profesor dejó de aparecer un día y Cohen supo después que había muerto; nunca llegó a saber casi nada de él.
    • Su guitarra principal durante unos cuarenta años fue una Conde, comprada en el taller madrileño de la calle Gravina en los años sesenta.

    Como profesor, esta historia me encanta: demuestra que con pocos acordes bien asentados y una buena mano derecha se puede llegar muy lejos.

    Cómo tocar a Leonard Cohen en la guitarra

    Lo mejor de Cohen para un alumno es que sus canciones son asequibles técnicamente pero muy exigentes en expresión. No hay solos rápidos: hay pulso, dinámica y control de la mano derecha.

    Hallelujah: el gran clásico para empezar

    • Tonalidad y acordes: se suele tocar en Do mayor, con Do, La menor, Fa, Sol y Mi (o Mi7) como acordes principales. Si el Fa con cejilla aún se te resiste, puedes empezar con un Fa simplificado de cuatro cuerdas.
    • Compás: tiene un aire ternario (se siente «en tres», tipo 6/8 o 12/8). Cuenta «1-2-3, 4-5-6» y marca el bajo en el 1 y el 4.
    • Patrón: arpegio sencillo con el pulgar en el bajo (cuerdas 5ª o 6ª) y los dedos índice, medio y anular en las cuerdas 3ª, 2ª y 1ª. La versión de Buckley es más delicada y con más arpegio; la de Cohen, más rasgueada y sobria.
    • Nivel: principiante avanzado. Es ideal para trabajar cambios limpios y el paso a La menor y Mi.

    Suzanne: el fingerpicking «a lo Cohen»

    • Tonalidad: habitualmente en Mi mayor.
    • Técnica: aquí está la herencia flamenca. Es un arpegio continuo y rodado, con el pulgar llevando el bajo y los dedos repartiendo un dibujo constante en las cuerdas agudas. Lo difícil no son los acordes, sino mantener el patrón estable mientras cambias de posición.
    • Nivel: intermedio. Trabájalo primero muy lento con metrónomo (60 bpm) y sube poco a poco.

    Sonido y equipo

    Para sonar como Cohen, lo ideal es una guitarra española de cuerdas de nailon, no una acústica de acero. Toca cerca de la boca de la guitarra para un sonido más cálido y deja que las notas graves respiren. No hace falta ninguna pedalera: el secreto está en la pulsación, en tocar suave y en no correr.

    Otras canciones suyas que funcionan muy bien en clase son So Long, Marianne (rasgueo alegre con acordes abiertos), Bird on the Wire y Famous Blue Raincoat (arpegio más elaborado, para nivel intermedio).

    Aprende las canciones de Leonard Cohen en Valencia

    Diez años después de su muerte, Cohen sigue siendo una puerta de entrada perfecta al fingerpicking y a la guitarra con nailon. Si quieres aprender Hallelujah, Suzanne o cualquier otra canción suya con un método adaptado a tu nivel, en nuestras clases de guitarra en Valencia las trabajamos paso a paso: postura de mano derecha, cambios de acordes y, sobre todo, cómo darles su intención. Y si buscas otros temas parecidos, prueba nuestro buscador de canciones.

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  • 70 años de James Honeyman-Scott, el guitarrista de Pretenders

    El 4 de noviembre de 2026 se cumplen 70 años del nacimiento de James Honeyman-Scott, el guitarrista original de Pretenders. Nació en Hereford (Inglaterra) el 4 de noviembre de 1956 y murió en Londres el 16 de junio de 1982, con solo 25 años. En apenas cuatro años dejó algunas de las partes de guitarra más elegantes de la new wave británica y una forma de tocar que todavía hoy se estudia.

    Si te suenan Brass in Pocket o Kid, ya conoces su firma: frases cortas, muy cantables, que adornan la voz de Chrissie Hynde sin taparla nunca.

    De Hereford a Pretenders

    Jimmy, como le llamaban sus compañeros, fue en gran parte autodidacta. El batería Martin Chambers, también de Hereford, recuerda que le conoció de crío en una tienda de música de la ciudad, donde pasaba las horas probando guitarras. Años después tocaron juntos en una banda local, Cheeks, que no llegó a despegar, y Jimmy pasó una temporada trabajando de roadie y de jardinero.

    Todo cambió en el verano de 1978, cuando el bajista Pete Farndon le llamó para unos ensayos con una cantante estadounidense afincada en Londres: Chrissie Hynde. Con Chambers a la batería se cerró la formación clásica de Pretenders. Su primer single fue una versión de Stop Your Sobbing de los Kinks, producida por Nick Lowe y publicada en febrero de 1979. Después llegaron Kid y Brass in Pocket, que alcanzó el número 1 en Reino Unido en enero de 1980, el mismo mes en que salió el primer disco de la banda, Pretenders, producido por Chris Thomas. En 1981 publicaron el EP Extended Play y el álbum Pretenders II.

    El 16 de junio de 1982, dos días después de que la banda despidiera a Farndon por sus problemas con las drogas, Honeyman-Scott murió de un fallo cardiaco relacionado con el consumo de cocaína. Hynde le dedicó Back on the Chain Gang, grabada ya con Robbie McIntosh a la guitarra. En 2005 entró en el Rock and Roll Hall of Fame junto al resto de Pretenders.

    Un guitarrista al servicio de la canción

    Lo que hace especial a Honeyman-Scott no es la velocidad ni el virtuosismo, sino el gusto. Hynde llegaba con canciones de rasgueo muy personal y ritmos poco convencionales, y él, en lugar de pelearse con ellos, tocaba por encima líneas melódicas que unían las partes. La propia Hynde decía que él sacaba toda la melodía de lo que ella tocaba.

    Sus influencias lo explican bien: de chaval escuchaba a Cream y a la Allman Brothers Band; luego se fijó en el sonido brillante y con aire a Rickenbacker de Nick Lowe y Elvis Costello, y en guitarristas como Dave Edmunds, Billy Bremner, Nils Lofgren o Chris Spedding. Le encantaban las armonías de los Beach Boys, y se nota en cómo construía las segundas voces con la guitarra.

    Su influencia llegó lejos: Johnny Marr, que años después llegaría a tocar en Pretenders, ha contado que el solo de Kid le marcó. Y no es casualidad que Brass in Pocket naciera de una línea de guitarra que Jimmy le enseñó a Hynde y sobre la que ella escribió la letra; los dos firman la canción.

    Cómo tocar con el estilo de Honeyman-Scott

    Esta es la parte que más nos interesa en clase. Si quieres acercarte a su sonido, olvídate de la distorsión a tope y piensa en un crunch suave y limpio, con mucha definición en cada nota.

    • Equipo. Usó sobre todo guitarras Gibson (ES-335, Les Paul, Les Paul Junior, Firebird), Hamer hechas a medida, Zemaitis y una Rickenbacker de 12 cuerdas en las sesiones de Extended Play y Pretenders II, casi siempre con amplificadores Marshall de 100 vatios y pedales sencillos de chorus, overdrive y compresor. No necesitas nada de eso: cualquier guitarra con pastillas dobles y un ampli con la ganancia baja te sirve. Un toque de chorus y un compresor suave ayudan mucho a ese brillo.
    • Afinación. Puedes trabajar sus canciones en afinación estándar, sin complicaciones.
    • Técnica. Su lenguaje se basa en notas dobles (double stops), arpegios que dejan sonar las cuerdas al aire, pequeñas carreras por la escala y hammer-ons y pull-offs muy limpios. Es un estilo que mezcla el rock and roll de los cincuenta con la elegancia del pop de los sesenta.
    • El reto del ritmo. Lo difícil no es la mano izquierda, sino encajar las frases sobre ritmos de batería y rasgueos que no siempre son cuadrados. Chambers recuerda, por ejemplo, que en el inicio de Phone Call Jimmy improvisaba sobre una sensación de compás de 7/4. Trabajar con metrónomo y con la grabación original es fundamental.
    • Nivel aproximado. El riff de Brass in Pocket es asequible para un alumno de nivel intermedio que ya controle acordes con cejilla y algo de digitación. Los adornos y el solo de Kid piden un nivel intermedio-avanzado, sobre todo por la precisión y la dinámica.

    Un ejercicio que proponemos a menudo: toca la progresión de acordes de una de sus canciones y, en lugar de rasguear, intenta tocar solo dos notas a la vez dentro de cada acorde, buscando una pequeña melodía. Es la mejor manera de entender cómo pensaba Jimmy: el acorde como un mapa del que sacas melodías.

    Su legado, 70 años después

    Honeyman-Scott solo grabó dos discos y un EP con Pretenders, pero su manera de tocar, melódica, generosa y siempre pendiente de la voz, sigue siendo un modelo para cualquiera que quiera tocar la guitarra en una banda y no solo lucirse. Es una lección que vale tanto para el rock como para el pop: a veces la parte de guitarra más memorable es la que deja respirar la canción.

    Si te apetece aprender Brass in Pocket, Kid o cualquier otro clásico de la new wave y entender por qué funcionan tan bien, en nuestras clases de guitarra en Valencia las trabajamos paso a paso, adaptadas a tu nivel. Y si quieres ver qué canciones tenemos preparadas, echa un vistazo a nuestro buscador de canciones.

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  • 55 años sin Duane Allman, el rey de la guitarra slide

    El 29 de octubre de 1971 murió Duane Allman en Macon (Georgia), tras un accidente de moto. Tenía solo 24 años. El 29 de octubre de 2026 se cumplen 55 años de su muerte, y su forma de tocar la guitarra slide sigue siendo la referencia con la que se mide cualquier guitarrista que se ponga un bottleneck en el dedo.

    Quién fue Duane Allman

    Duane Allman nació en Nashville el 20 de noviembre de 1946 y creció en Florida junto a su hermano pequeño, Gregg Allman. Antes de fundar la banda que llevaría su apellido, ya había tocado con Gregg en grupos como The Allman Joys y Hour Glass, sin demasiado éxito comercial.

    Su gran escuela fue el estudio. En los estudios FAME de Muscle Shoals (Alabama) se convirtió en músico de sesión muy solicitado, y su solo en la versión de Hey Jude de Wilson Pickett (1968) le abrió las puertas de Atlantic Records. Por aquellas sesiones pasaron también Aretha Franklin o King Curtis, y Duane aprendió algo que se nota en cada nota que grabó: tocar para la canción, no para lucirse.

    En 1969 formó The Allman Brothers Band en Jacksonville, con dos guitarras solistas (él y Dickey Betts), dos baterías, el bajo de Berry Oakley y Gregg a la voz y al órgano. La banda se instaló en Macon y fichó por Capricorn Records. Ahí nació lo que hoy llamamos southern rock: blues, soul, country y jazz mezclados con improvisaciones largas.

    Layla, el Fillmore East y una carrera de apenas tres años

    En 1970 Duane coincidió con Eric Clapton y acabó tocando en la mayor parte de Layla and Other Assorted Love Songs, el disco de Derek and the Dominos. Su slide en Layla es uno de los sonidos más reconocibles de la historia del rock. Clapton le propuso unirse al grupo de forma permanente, pero Duane prefirió volver con sus hermanos.

    En marzo de 1971 los Allman Brothers grabaron At Fillmore East, el doble directo que mucha crítica considera uno de los mejores discos en vivo del rock. Ahí está todo: Statesboro Blues, la versión eterna de Whipping Post, In Memory of Elizabeth Reed (compuesta por Betts) y el famoso diálogo de las dos guitarras armonizadas.

    Unos meses después llegó el accidente. La banda terminó sin él el disco que estaban grabando, Eat a Peach (1972). Su carrera de primera línea duró apenas tres años, pero Rolling Stone llegó a situarlo como el segundo mejor guitarrista de todos los tiempos en su lista de 2003, solo por detrás de Jimi Hendrix.

    El ángulo guitarrero: cómo acercarte al slide de Duane Allman

    Esta es la parte que más nos interesa en clase. Duane empezó a tocar slide en 1968, y lo hizo con un objeto curioso: un frasco de pastillas Coricidin de cristal que se ponía en el dedo anular. El cristal da un sonido más suave y cálido que el metal, y muchos fabricantes venden hoy réplicas de ese frasco.

    Afinación. Su favorita para el slide era la afinación abierta de Mi (Mi-Si-Mi-Sol#-Si-Mi, de grave a agudo). Al tocar las seis cuerdas al aire suena un acorde mayor, y colocando el slide sobre los trastes 5 y 7 tienes los otros dos acordes del blues. Si tu guitarra tiene cuerdas finas, prueba primero la abierta de Re (Re-La-Re-Fa#-La-Re), que da el mismo efecto con menos tensión en el mástil.

    Técnica. Tres claves que trabajamos con cualquier alumno que empieza en el slide:

    • Coloca el slide justo encima del traste, no entre trastes como cuando pisas. Si no, las notas suenan desafinadas.
    • No aprietes: el slide solo debe rozar las cuerdas, sin hundirlas contra el mástil.
    • Apaga las cuerdas que no suenan con los dedos que quedan detrás del slide y con la mano derecha. Duane tocaba con los dedos de la mano derecha, y eso le ayudaba a controlar el ruido.

    Vibrato y fraseo. Más que la velocidad, lo que define a Duane es el vibrato ancho y cómo llega a las notas deslizándose desde abajo, casi como una voz. Un buen ejercicio es cantar una frase corta y luego intentar imitarla con el slide.

    Equipo y tono. En sus años con la banda usó varias Gibson Les Paul y una Gibson SG (la que reservaba para el slide), con amplificadores Marshall de 50 vatios y pantallas de 4×12. En estudio también tiró de una Fender Twin Reverb y de una Stratocaster. Para aproximarte a su sonido no necesitas su equipo: una guitarra con pastillas de doble bobina, un ampli con algo de saturación natural y el volumen de la guitarra un poco por debajo del máximo te acercarán bastante.

    Nivel. Las líneas de guitarra normal de los Allman Brothers (como las armonías de dos guitarras) encajan bien en un nivel intermedio. El slide de Duane, por afinación y control, es un objetivo de nivel intermedio-avanzado, aunque los primeros ejercicios en afinación abierta los puede hacer cualquiera que ya domine los acordes básicos.

    Por qué sigue importando 55 años después

    Duane Allman demostró que el slide no era solo un recurso del blues del Delta, sino un lenguaje capaz de cantar melodías, improvisar como un saxofonista y emocionar en una balada. Guitarristas como Derek Trucks (sobrino del batería de la banda, Butch Trucks) o Warren Haynes mantienen viva esa escuela, y cada generación de guitarristas vuelve a At Fillmore East para aprender a escuchar y a dialogar con otro guitarrista.

    Si te apetece descubrir la afinación abierta, dar tus primeros pasos con el slide o sacar las armonías de los Allman Brothers, en nuestras clases de guitarra en Valencia lo trabajamos paso a paso y a tu ritmo. Y si quieres ver qué canciones de rock sureño se adaptan a tu nivel, échale un vistazo a nuestro buscador de canciones.

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  • 50 años de The Song Remains the Same de Led Zeppelin

    El 22 de octubre de 1976 Led Zeppelin publicó The Song Remains the Same, su primer disco en directo y banda sonora de la película del mismo nombre. Se cumplen 50 años de un doble LP grabado en el Madison Square Garden de Nueva York que, con todas sus imperfecciones, sigue siendo la mejor forma de oír a Jimmy Page estirando sus canciones en el escenario.

    Tres noches en Nueva York

    El material sale de tres conciertos, del 27 al 29 de julio de 1973, que cerraban la gira norteamericana de presentación de Houses of the Holy. La banda estaba en su mejor momento comercial y su mánager, Peter Grant, decidió filmarlo todo para una película. El rodaje fue un pequeño caos: el director original, Joe Massot, acabó apartado del proyecto, el australiano Peter Clifton tomó el relevo y, como faltaban planos, en agosto de 1974 el grupo tuvo que recrear partes del concierto en los estudios de Shepperton.

    La película se estrenó en Nueva York el 20 de octubre de 1976 y el disco llegó a las tiendas dos días después, en el sello del propio grupo, Swan Song. Page lo produjo y Eddie Kramer se encargó de la grabación y la mezcla. El resultado: número 1 en Reino Unido y número 2 en Estados Unidos, pese a que la crítica de la época lo trató con bastante dureza. El propio Page reconoció años después que no era el mejor retrato de Led Zeppelin en directo.

    Un disco de canciones que se alargan

    Lo primero que llama la atención es la duración. Son solo nueve temas, pero ocupan casi cien minutos:

    • Rock and Roll y Celebration Day abren a todo gas, en formato corto.
    • The Song Remains the Same y The Rain Song se tocan enlazadas, como en el disco de estudio.
    • Dazed and Confused ocupa una cara entera del vinilo: casi 27 minutos de improvisación.
    • No Quarter es el lucimiento de John Paul Jones a los teclados.
    • Stairway to Heaven supera los 10 minutos.
    • Moby Dick es el solo de batería de John Bonham.
    • Whole Lotta Love se convierte en un popurrí de más de 14 minutos.

    En 2007 se reeditó con seis canciones más (entre ellas Black Dog, Since I’ve Been Loving You y Heartbreaker), una nueva mezcla de Kevin Shirley y un Dazed and Confused todavía más largo, de unos 29 minutos.

    El ángulo guitarrero: qué aprender de este directo

    Para un guitarrista, este disco es una clase magistral de cómo convertir un riff de tres minutos en un viaje de veinte. No se trata de copiar cada nota de Page (él mismo tocaba distinto cada noche), sino de entender su manera de pensar.

    Rock and Roll: el blues de doce compases con esteroides

    Es el tema perfecto para empezar. Va en afinación estándar y en La, sobre una estructura de blues de doce compases que cualquier alumno con un año de guitarra puede seguir. El reto está en la mano derecha: púa alternada, rasgueo muy preciso y mucha energía sin acelerarse. Nivel: intermedio bajo. Es ideal para trabajar el shuffle recto y los primeros solos con la pentatónica de La.

    Whole Lotta Love: un riff de libro

    Afinación estándar, cuerda Mi grave al aire y una nota doblada con un pequeño bend. Es de los primeros riffs de rock que enseñamos en clase porque suena enorme con muy poco. En el directo, Page lo usa como trampolín para la parte central, donde aparece el famoso theremín, ese aparato que se toca moviendo la mano en el aire. Nivel: principiante con algo de soltura.

    Dazed and Confused: el arco de violín

    Aquí está la escena que todo el mundo recuerda: Page frotando las cuerdas de su guitarra con un arco de violín. Más allá del truco, la canción se apoya en una línea descendente por semitonos que parte del Mi y que es un ejercicio estupendo para trabajar el vibrato, los silencios y la dinámica. La parte improvisada es terreno para alumnos avanzados: escuchar cómo Page sube y baja la intensidad durante media hora enseña más sobre tocar en directo que muchos métodos.

    The Song Remains the Same, The Rain Song y Stairway: la doble mástil

    Para estos temas Page usaba su Gibson de doble mástil (doce y seis cuerdas), una imagen icónica del rock. En casa no hace falta: con una eléctrica normal y un poco de chorus puedes acercarte al brillo de la doce cuerdas. The Rain Song, en estudio, va en una afinación abierta (Re Sol Do Sol Do Re) que suena preciosa y es una buena puerta de entrada al mundo de las afinaciones alternativas. Stairway to Heaven, en estándar y en La menor, sigue siendo la gran prueba de fuego: arpegios limpios al principio, rasgueo después y uno de los solos más famosos de la historia al final. Nivel: intermedio a avanzado.

    El sonido de Page en 1973

    El tono de este directo sale sobre todo de una Gibson Les Paul con pastillas humbucker a un amplificador valvular muy saturado, pero con el volumen de la guitarra haciendo gran parte del trabajo: bajándolo, el sonido se limpia; subiéndolo, ruge. Si quieres imitarlo, menos ganancia de la que crees, mucho volumen de amplificador y juega con el potenciómetro de la guitarra. Y no tengas miedo a los fallos: parte del encanto de este disco es que suena a banda tocando sin red.

    Apréndelo en clase

    Cincuenta años después, los riffs de The Song Remains the Same siguen siendo de los que más piden nuestros alumnos, desde quien empieza con Whole Lotta Love hasta quien se atreve con el solo de Stairway to Heaven. Si quieres aprenderlos con buena técnica y a tu ritmo, te esperamos en nuestras clases de guitarra en Valencia. Y si buscas más canciones de Led Zeppelin adaptadas a tu nivel, prueba nuestro buscador de canciones.

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  • 20 años de The Black Parade: cómo tocarla en guitarra

    El 23 de octubre de 2006 My Chemical Romance publicó The Black Parade, el disco que convirtió a una banda de Nueva Jersey en un fenómeno mundial. Se cumplen 20 años y el grupo lo celebra con una edición aniversario que sale a la venta el viernes 23 de octubre de 2026. Para muchos guitarristas que hoy rondan los 30, fue el disco que les hizo coger la guitarra.

    Un disco conceptual en plena era del emo

    The Black Parade no es una simple colección de canciones. Es un disco conceptual que sigue a «The Patient», un hombre que muere de cáncer y repasa su vida camino del más allá. La muerte se le presenta como un recuerdo de infancia: una banda de música desfilando, la misma que su padre le llevó a ver de niño. De ahí el título y toda la estética de uniformes negros que la banda adoptó en directo.

    Se grabó entre abril y agosto de 2006, sobre todo en la Paramour Mansion de Los Ángeles, con Rob Cavallo a la producción junto a la propia banda. Cavallo venía de producir a Green Day, y la crítica de la época no tardó en comparar el disco con American Idiot y con el rock teatral de los setenta, sobre todo con Queen. No es casualidad: el guitarrista principal, Ray Toro, siempre ha citado a Brian May y a Randy Rhoads como sus grandes influencias.

    El resultado llegó al número 2 tanto en el Billboard 200 de Estados Unidos como en la lista de álbumes del Reino Unido, y acumula multiplatinos en varios países. Los sencillos fueron Welcome to the Black Parade, Famous Last Words, I Don’t Love You y Teenagers. El primero fue además el único número 1 de la banda en las listas británicas de sencillos.

    La edición del 20 aniversario

    La reedición incluye el álbum completo y, en las versiones deluxe, varios extras: grabaciones en directo de Hoboken como Dead! y The Sharpest Lives, y caras B como Heaven Help Us o Kill All Your Friends. La gira de aniversario tenía en su calendario una única fecha en España, el 18 de julio de 2026 en el Iberdrola Music de Madrid, lo que da una idea de lo vivo que sigue este disco veinte años después.

    Welcome to the Black Parade en guitarra: cómo enfocarla

    Si hay una canción del disco que todo el mundo quiere aprender, es esta. Y tiene sentido: en cinco minutos pasa por varios estilos, así que es casi una clase completa de rock.

    Afinación y tonalidad. Se puede tocar en afinación estándar. La canción está en Sol mayor y hacia el final sube un tono, a La mayor. Ese cambio es un buen ejercicio para entender cómo funcionan las modulaciones: mismas formas de acorde, dos trastes más arriba.

    La intro de piano. Empieza con una nota de piano tan reconocible que mucha gente identifica la canción solo con ella. En guitarra puedes adaptar esa melodía a notas sueltas en las cuerdas agudas, con sonido limpio. Es perfecta para trabajar la pulsación a tempo lento (unos 75 BPM) y la colocación de la mano izquierda sin prisas.

    La parte de marcha. Cuando entra la banda, la guitarra rítmica marca acordes con un pulso muy firme, casi militar. Aquí lo importante es la dinámica: empezar contenido, con algo de palm mute, e ir abriendo el sonido a medida que la canción crece. Es un buen lugar para practicar rasgueos con púa siempre hacia abajo y bien medidos.

    La sección punk. De repente el tempo se dispara y la canción se convierte en pop-punk puro. Aquí mandan los power chords y la resistencia de la mano derecha. Si estás empezando, practícala primero a la mitad de velocidad con metrónomo y sube poco a poco. Si te cuesta mantener las corcheas, alterna púa abajo y arriba en lugar de forzar todo hacia abajo.

    Las guitarras solistas. Ray Toro y Frank Iero construyen partes que se responden y se doblan, muy en la línea de las armonías de Brian May. Más que buscar la velocidad, fíjate en las melodías a dos voces y en el fraseo: cada nota tiene que cantar.

    Sonido. Una guitarra con pastillas dobles (humbuckers) y un amplificador con ganancia media te acercan bastante. No te pases de distorsión: el disco suena grande por las capas de guitarras, no por saturar una sola.

    Nivel aproximado. La parte rítmica es asumible para un nivel iniciación-intermedio que ya maneje acordes abiertos y power chords. Las partes solistas y los dobles de guitarra son de nivel intermedio.

    Si te quedas con ganas de más, Famous Last Words es otra gran opción para trabajar power chords con intensidad, y I Don’t Love You te sirve para practicar una balada con acordes y arpegios.

    Apréndela en clase

    Veinte años después, Welcome to the Black Parade sigue siendo una de esas canciones que los alumnos piden en cuanto se sienten con fuerzas. Si quieres aprenderla bien, con su intro, sus cambios de tempo y sus guitarras dobladas, te ayudamos en nuestras clases de guitarra en Valencia. Y si buscas más canciones de My Chemical Romance o de otros grupos para tu nivel, prueba nuestro buscador de canciones.

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  • Chuck Berry, 100 años del padre del riff de rock

    Este sábado, 18 de octubre de 2026, se cumplen 100 años del nacimiento de Chuck Berry, nacido en San Luis (Misuri) en 1926. Si alguna vez has tocado un riff de rock con dos cuerdas a la vez, un shuffle de blues en power chords o has hecho el ganso con la guitarra colgada, le debes algo a él. Pocas figuras merecen tanto el apodo de padre del rock and roll.

    Quién fue Chuck Berry

    Charles Edward Anderson Berry creció en una familia de clase trabajadora de San Luis: su padre trabajaba en un molino y luego como contratista, y su madre era maestra, pianista y cantante. De joven se empapó del blues y del jump blues de la época, y él mismo reconoció dos influencias clave: T-Bone Walker, de quien tomó frases de guitarra y presencia escénica, y Louis Jordan, cuya introducción de Ain’t That Just Like a Woman (1946) recuerda mucho a la de Johnny B. Goode.

    A principios de 1953 empezó a tocar con el trío del pianista Johnnie Johnson, una colaboración que duraría décadas. En mayo de 1955 grabó para Chess Records Maybellene, una adaptación de la canción country Ida Red que vendió más de un millón de copias y llegó al número uno de la lista de rhythm and blues de Billboard. Ahí está la clave de su revolución: mezclar el blues negro con el country blanco y poner la guitarra eléctrica en el centro de la banda.

    Después llegaron Roll Over Beethoven, Brown Eyed Handsome Man, Sweet Little Sixteen y, en 1958, Johnny B. Goode, su canción emblema. Tan emblemática que en 1977 viajó al espacio en el disco de oro de la sonda Voyager, y que media humanidad la asocia con Marty McFly en Regreso al futuro.

    Un legado que llega hasta hoy

    Berry no solo tocaba: escribía sus propias canciones, algo poco habitual en los años 50, y lo hacía con letras ingeniosas sobre coches, chicas, institutos y radios. Los Beatles, los Rolling Stones, Bruce Springsteen o John Fogerty lo versionaron o se declararon deudores suyos. En 1986 fue uno de los primeros artistas en entrar en el Rock and Roll Hall of Fame, y su último disco, Chuck, salió en 2017, poco después de su muerte el 18 de marzo de ese año, a los 90 años.

    Su figura también tiene sombras: era famoso por exigir el pago en efectivo antes de tocar y pasó por la cárcel en varias ocasiones. Pero musicalmente su huella es indiscutible, y en este centenario hay homenajes en Estados Unidos, como el simposio que le dedicó el Bruce Springsteen Center for American Music el 10 de octubre.

    La guitarra de Chuck Berry: cómo sonar como él

    Aquí viene lo que más nos interesa en clase. El estilo de Chuck Berry es una de las mejores puertas de entrada a la guitarra eléctrica, porque con pocas herramientas suena enseguida a rock de verdad.

    El equipo

    En sus primeras grabaciones usó una Gibson ES-350T, una semisólida de caja fina, y en los años 70 se le vio sobre todo con la Gibson ES-335 y su versión de lujo, la ES-355 (fue enterrado con una ES-355 roja cereza). No necesitas una Gibson: cualquier guitarra con pastillas humbucker, o incluso una Stratocaster con la pastilla del mástil, te sirve. Para el tono, ampli limpio pero empujado, al borde de la saturación, sin apenas efectos y con un toque de reverb.

    El riff de introducción de Johnny B. Goode

    La famosa intro se basa en dobles cuerdas (dos notas a la vez) sobre las cuerdas Si y Mi aguda, con pequeños bends, ráfagas repetidas y deslizamientos. Algunos consejos para enfocarla:

    • Afinación estándar (Mi-La-Re-Sol-Si-Mi). La grabación original suena en Si bemol, pero muchos guitarristas la tocan en La para que sea más cómoda; aprende primero la versión en La y luego súbela un traste.
    • Toca con la púa en movimiento alterno y rápido, apoyando el dedo índice como cejilla de dos cuerdas. La clave es la soltura de la mano derecha, no la velocidad de la izquierda.
    • Practica a 60–70 % de la velocidad con metrónomo y sube poco a poco. Si aceleras antes de tiempo, la frase se emborrona.
    • Nivel aproximado: intermedio para la intro completa, pero las frases sueltas son asequibles tras unos meses de clases.

    El shuffle de acompañamiento

    El otro gran invento de Berry es el ritmo de boogie con quintas y sextas: tocas un power chord de dos notas y alternas el dedo anular con el meñique para añadir la sexta, todo con un pulso ternario de shuffle. Es lo que suena en Johnny B. Goode, Roll Over Beethoven o Rock and Roll Music, y lo heredaron AC/DC, los Stones o Status Quo. Es un ejercicio de nivel principiante fantástico: refuerza la mano izquierda, te enseña el blues de 12 compases y en cuanto lo dominas puedes acompañar a cualquiera en una jam.

    Aprende el rock de Chuck Berry en Valencia

    Celebrar el centenario de Chuck Berry con la guitarra en la mano es el mejor homenaje posible. En nuestras clases de guitarra en Valencia trabajamos el shuffle de blues, las dobles cuerdas y los riffs clásicos del rock and roll, adaptados a tu nivel, tanto si empiezas desde cero como si quieres pulir tu técnica. Y si quieres ver qué otras canciones clásicas puedes preparar, echa un vistazo a nuestro buscador de canciones.

    ¿Te animas a tocar Johnny B. Goode antes de que acabe el año? Go, Johnny, go.

    Fuentes

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